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SUMMARY:RECEPCIÓN DE PROYECTOS (convocatoria permanente)
DESCRIPTION:Desde el MAC Florencio de la Fuente de Huete recibimos proyectos de forma permanente a lo largo del año que son evaluados 1 vez por trimestre por el Patronato y Equipo Ejecutivo del Museo para su posible aprobación\, desarrollo y entrada en la programación de actividad del museo.\n\nRecibimos:\n\n \tProyectos expositivos en proceso (son los que más nos gustan\, permiten un desarrollo colaborativo de los mismos).\n \tProyectos expositivos definidos .\n \tProyectos de mediación presencial u online.\n \tProyectos editoriales digitales.\n\nUn primer contacto:\n\n \tPuedes enviarnos un correo a contacto@macflorenciodelafuente.es y exponer brevemente en qué te gustaría trabajar con nosotras.\n \tPuedes enviarnos un dossier con:\n\n \tstatement profesional\n \tcurrículum artístico\n \tpresentación conceptual del proyecto\n \tjustificación del proyecto\n \trelación de imágenes del proyecto en curso y/o anteriores proyectos\n \tdatos personales: nombre\, fecha de nacimiento\, residencia\n \tlinks de interés: web\, redes sociales\, drive...\n\n\n\nCriterios de valoración:\n\n \tProyecto contextualizado: el grado y modos en que el proyecto hace suyos tanto al espacio expositivo como al contexto rural de Huete y su entorno.\n \tMediabilidad: nos interesan las prácticas de arte relacional y proyectos expositivos o de otra clase que impliquen activamente a nuestros públicos\, y que puedan tomar diferentes formas más allá de la exposición.\n \tParidad: tenemos en cuenta la paridad de género a la hora de realizar nuestra programación anual.\n \tOriginalidad del proyecto.\n \t Trayectoria profesional.\n\nNo queremos que pierdas el tiempo. Antes de enviarnos un proyecto puedes pedirnos información y preguntar cualquier duda a contacto@macflorenciodelafuente.es y te ayudaremos.
URL:http://www.macflorenciodelafuente.es/event/recepcion-de-proyectos-convocatoria-permanente/
LOCATION:Plaza de la Merced 1\, Huete\, Cuenca\, 16500 \, España
CATEGORIES:Convocatoria Abierta
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SUMMARY:MÁS ALLÁ DEL SENDERO Susana Jiménez
DESCRIPTION:\n\nMÁS ALLÁ DEL SENDERO\nTodo sendero traza un límite entre lo conocido y lo incierto; en ese umbral se sitúa la obra de Susana.\n\n\n\n\nLa exposición reúne una serie de trabajos en los que la artista parte de sus propias fotografías de bosques que somete a una transformación matérica. Fragmentadas e intervenidas tanto digital como físicamente\, las imágenes no actúan como registro\, son el punto de partida.\n\n\n\n\nSusana captura instantes en el bosque\, los recorta\, superpone\, los imprime sobre lienzo o metacrilato\, y los interviene con pigmentos y acrílicos\, entre otras técnicas. La fotografía de partida\, descontextualizada en el proceso\, se disuelve y lo que emerge es un paisaje imaginario. Un lugar que no existe pero que encierra un misterio. Un proceso de experimentación que juega con la tensión entre lo visible y lo que se resiste a ser visto. Sus bosques\, atravesados por niebla y capas matéricas\, no ofrecen al espectador todas las respuestas que se espera. Aquí lo salvaje no se deja fijar ni conquistar.\n\n\n\n\nEntre Thoreau y Conrad se nutren las raíces de estas obras. Thoreau sentía esa fuerza hipnótica que lo empujaba hacia las profundidades del lago\, pero no llega a lanzarse. Permanece en la orilla. Sabe que lo salvaje solo se revela a quien no intenta conquistarlo. Conrad\, al contrario\, lleva a Marlowe río arriba\, hacia el corazón de la selva\, arrastrado por una pulsión que no logra controlar.\n\n\n\n\nSusana experimenta algo similar en los bosques que transita: la espesura\, la niebla\, el sendero que se pierde... No se atreve a transitarlos. Los captura y de esa mirada suspendida nace la obra.\n\n\n\n\nPara la artista\, el proceso creativo es el verdadero viaje y su estudio\, un territorio donde cada decisión determina el trayecto. Una búsqueda en la zona intermedia entre lo real y lo imaginado\, entre el miedo y el deseo.\n\n\n\n\nEse recorrido del instante capturado a la imagen intervenida\, de la mirada al gesto\, tiene algo de viaje iniciático. No porque conduzca a un destino establecido\, sino porque exige adentrarse en lo que no se comprende del todo. Como todo viaje hacia el interior\, hallar respuestas importa menos que dar con las preguntas adecuadas. Susana no busca dar explicaciones. Sus obras operan como un espejo que nos invita a emprender ese mismo camino.\n\n\n\n\nLo esencial no se revela en la superficie. No está en el árbol\, en la luz o en la mancha de color; lo que importa es esa pulsión que obliga a detenerse\, invitándonos a hacer lo que San Juan de la Cruz cantaba en sus versos:\n\n\n\n\nPara venir a lo que no sabes\,\n\n\n\n\nhas de ir por donde no sabes.\n\n \n\n\nComisariada por: Kolia Ramudo\n\n \n\n \nBIOGRAFÍA\n\n\nSusana Jiménez (Madrid\, 1959) Artista visual formada en Fotografía en la Universidad Politécnica de Madrid y en arte contemporáneo a través de diversos seminarios. Su obra\, situada entre la fotografía y la pintura\, parte de imágenes de bosques —principalmente asturianos— que transforma mediante fragmentación\, collage\, superposiciones e intervenciones pictóricas sobre distintos soportes. Inspirada por la idea de "a través de mis ojos"\, explora la relación entre el espacio\, la memoria y el sueño\, creando paisajes que oscilan entre lo real y lo imaginario. Ha participado en ferias nacionales e internacionales\, ha sido seleccionada en certámenes como el 55.º Premio Reina Sofía de Pintura y Escultura\, y actualmente está representada por dos galerías en Madrid\, donde también tiene su estudio.\n\n\n \n\n \n\nPLANO\n\n\n
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CATEGORIES:Exposición
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SUMMARY:EXACTITUDES ATERRADORAS  Cristóbal Ochoa
DESCRIPTION:\n\n\n\nEXACTITUDES ATERRADORAS\n\n\n\nMigrar es habitar una discontinuidad. Hay un antes y un después que nunca terminan de reconciliarse. Entre ambos queda desplazada la identidad\, obligada a reconstruirse sobre la pérdida. En ese intersticio se sitúa la obra de Cristóbal Ochoa\, artista venezolano exiliado entre Francia y España.\n\n \n\n\n\n\nLa exposición que presenta en el MAC Florencio de la Fuente\, su primera individual en un museo\, toma su título de un verso del reconocido poeta venezolano Rafael Cadenas\, extraído de su poema Ars Poética. Más allá de compartir patria y exilio\, artista y poeta comparten una manera de entender su práctica: la necesidad de asumir un papel activo y de compromiso con el hombre común\, así como la convicción de que la poesía existe en toda forma de creación. Aquí la fuerza reside en lo aparentemente sencillo\, en la renuncia consciente al artificio. La búsqueda de desnudez\, física y simbólica\, desde la que sostener una relación más honesta donde cuerpo\, palabra y experiencia quedan expuestos sin mediaciones. En sí\, el poema Ars Poética funciona como un manifiesto sobre la forma de entender la práctica artística y la responsabilidad del creador con su tiempo.\n\n \n\n\n\n\nFrente a un mundo marcado por lo superficial\, lo efímero y lo efectista\, la obra de Cristóbal tiene una profundidad cimentada en su experiencia. Su trabajo se aleja de la mera denuncia panfletaria para construir una poética capaz de activar en el espectador los mecanismos mentales y emocionales que atraviesan la experiencia migratoria venezolana. Sus piezas generan un espacio de tránsito donde se hacen visibles dos momentos fundamentales de ese proceso. El primero está marcado por la incertidumbre de quien llega a un nuevo territorio y debe enfrentarse a otra realidad\, en muchas ocasiones hostil. El segundo nos devuelve al punto de partida. El origen como herida abierta\, como lugar donde se concentran las razones de la partida. Porque abandonar un país rara vez responde únicamente al deseo de marcharse; muchas veces tiene que ver con la imposibilidad de seguir viviendo en él. Es en esa distancia\, entre lo que obliga a partir y lo que espera al llegar\, es donde se articula esta exposición. Un homenaje que el artista dedica a la memoria de su madre y de Carmen Teresa Navas\, ambas atravesadas por el peso de una tragedia colectiva.\n\n \n\n\n\n\nAunque parte de la experiencia concreta de la migración venezolana\, la obra de Cristóbal desborda ese marco para situarse en una realidad más amplia. En un siglo XXI\, definido como el siglo de las migraciones\, el desplazamiento se ha convertido en una de las formas más visibles de habitar nuestro tiempo. Una forma de navegar la constante incertidumbre que supone una vida sostenida sobre la fragilidad de lo provisional.\n\n \n\n\nBIOGRAFÍA\n\n\n\n\n\n\n\n\nCristóbal Ochoa (1986\, Caracas) Artista interdisciplinar que vive y trabaja entre París y Madrid desde 2019. Su práctica abarca la pintura\, la cerámica\, la fotografía\, la instalación y la performance\, articulando una investigación en torno a cuestiones como el exilio\, el lenguaje\, las relaciones de poder y las desigualdades sociales. A través de una obra donde lo ambiguo y lo lúdico conviven\, explora la percepción del espectador tomando el cuerpo y la experiencia humana como punto de partida. Su trabajo ha formado parte de exposiciones internacionales en países como China\, Corea del Sur\, Colombia\, México\, Inglaterra y Francia.\nPLANO\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n \n\n \n\n \n\n \n\n \n\n \n\n 
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SUMMARY:RESIDENTES 2026
DESCRIPTION:\n\n\n\n\n \n\n\nDurante esta residencia el MAC Florencio de la Fuente se ha convertido en un espacio de construcción colectiva e intercambio de conocimientos. En el que cada artista ha abordado Huete como un lugar de encuentro\, observación y escucha desde el que generar preguntas sobre nuestra manera de habitar\, recordar\, percibir y relacionarnos con el entorno. A pesar de la diversidad de lenguajes\, materiales y metodologías presentes en los proyectos desarrollados\, han ido apareciendo de forma natural una serie de intereses compartidos de los que ha surgido un diálogo especialmente fértil.\n\n\n\n\nLa atención al paisaje\, a la memoria\, la observación de los ritmos cotidianos\, la relación entre lo individual y lo colectivo\, así como la constante preocupación por las transformaciones sociales y culturales de nuestro tiempo\, han atravesado el conjunto de las obras realizadas. El tiempo compartido a lo largo de esta experiencia ha convertido al proceso en algo tan importante como el resultado\, situando la investigación y la experimentación en el centro de la práctica artística.\n\n\n\n\nLa residencia ha sido también un ejercicio de desaceleración. Frente a la velocidad con la que habitualmente consumimos imágenes\, información y experiencias\, el trabajo que hoy presentamos nos invita a detenernos para dedicar un tiempo a mirar\, transitar\, conversar y comprender.\n\n\n\n\nEs especialmente valiosa la capacidad de cada proyecto para establecer puentes entre cuestiones locales y preocupaciones universales. Desde distintas aproximaciones\, las obras nos hablan de comunidad\, de identidad\, de cuidado\, de vivienda\, de naturaleza\, patrimonio y memoria. Pero sobre todo\, de nuevos modos de construir significado en una realidad profundamente compleja y mediatizada por las imágenes.\n\n\n\n\nEstas obras\, nacidas de la experiencia concreta del lugar\, se proyectan hacia debates más amplios que atañen a nuestra sociedad y aportan nuevas miradas sobre la actualidad conectando y estableciendo diálogos que esperamos\, no terminen aquí.\n\n\n\n\nLos proyectos que aquí se presentan son el resultado visible de ese proceso\, pero constituyen también el inicio de nuevas líneas de investigación que continuarán desarrollándose más allá de Huete.\n\n\n\n\nQueda en ellos la huella del territorio\, de las conversaciones mantenidas y del tiempo compartido. Y la certeza de que el arte sigue siendo una herramienta privilegiada para observar el mundo con más atención\, formularnos preguntas relevantes y abrir espacios de encuentro entre realidades diversas.\n\n\nDirectora de residencias: Vicky Herreros\n\n \nARTISTAS RESIDENTES\nLaura Vañó (2001\, Valencia)\n\n\nHabitar la mirada\, recorrer la línea\n\n\nSigo el camino que sube a la montaña desde la Torre del Reloj. En subir un poco\,\nempiezo a ver el paisaje de la Alcarria conquense\, oculta\, desde abajo\, por los edificios.\nAmarillos\, marrones\, un ambiente seco.\n\n\nTambién negro de las cenizas de un fragmento abrasado por el fuego.\nTodo parece bastante quieto.\n\nSilencio.\n\n\n\nPercibo el movimiento de las espigas empujadas por el viento.\n\n\n\n\nDesgloso con los días esta vista panorámica.\nMe acerco cada vez más a las texturas\, a las distintas formas orgánicas\, al fluir\, al camino\, al trayecto\,\nal recorrido de las rocas y la tierra.\n\n\n\n\nMe detengo.\n\nDibujo.\n\n\n\n\nUna gran pieza construida a lo largo de los días se expande como el paisaje. Mediante las líneas\ny la acumulación va surgiendo una mirada que se transforma con el tiempo.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nUna llegada apresurada se ha convertido en una estancia pausada en la que la atención\,\nla observación y el habitar son protagonistas.\n\n \n\n\n\n\nAdriana Berges (1992\, Madrid)\n\nLas flores del campo\n\n\n\n¿Es posible construir un jardín comunitario? Las flores del campo es un proyecto artístico que nace de la idea de archivo\, colección y álbum llevado al escenario del jardín. Se trata de una manera de creación conjunta donde intervienen sensibilidades y pinceladas de distintas personas y generaciones. En este proyecto se observa un jardín que ha sido creado por la artista Adriana Berges junto con otras personas\, niños y niñas de Huete que han decidido sumarse al proceso creativo.\n\n \n\n\n\nAlejandro Madrid (1992\, Badajoz)\nATLAS DIGITAL: la identidad como archivo y formas de mirar en la vida\n\n\n\nEste proyecto se ha realizado en un tiempo donde las imágenes nos rodean\, nos atraviesan\, nos hablan y nos identifican.\n¿Cómo el smartphone ha transformado nuestra forma de recordar?\n\n\n\n\nLas extensas galerías de fotografías de nuestros teléfonos han dejado de ser simples álbumes de fotos para convertirse en interminables colecciones de fragmentos de la vida cotidiana.\n\n\n\n\nA partir de las imágenes conservadas por los habitantes y visitantes de Huete\, el proyecto explora lo qué sobrevive dentro de una sociedad marcada por la sobreproducción visual. Nuestras imágenes se convierten en el mapa para leer territorio. Aquí\, la tradición y la actualidad conviven\, dando lugar a una identidad sesgada por la ausencia\, lo sagrado y el ritual.\nA través de ritual\, lo sagrado se expresa mediante gestos y lugares que organizan la vida comunitaria. Estos encuentros rebosantes de autenticidad\, incluso entre Juanistas y Quiterios.\n\n\n\n\nLa exposición reúne en un único espacio visual el imaginario digital común. De esta manera\, observamos a una comunidad construyendo\, de forma simbólica\, su memoria colectiva. Este proyecto está tejido por el inconsciente. Invita a mirar en la intimidad compartida para encontrarnos con lo personal.\n\n\n\n\nLo sagrado nos organiza.\nLas imágenes nos unen.\n\n \n\n\n\nCarmen Escudero (2001\, Albacete)\nManual de reparación\nMás que reparar arquitecturas\, este proyecto propone recomponer los vínculos entre las personas y los lugares\,\nentre la memoria y el territorio\, dando forma a un manual de reparación abierto que se construye con las historias\nque el pueblo conserva\, comparte y transforma.\n\n \n\n\n\nChemi Ros (1985\, Murcia)\nETIAM Huete\n\n\n\n¿Cómo aprendemos a mirar un lugar? Las imágenes que construyen la identidad de un territorio no son inocentes:\nseleccionan\, repiten y jerarquizan aquello que merece ser recordado. Mediante la intervención de fotografías de archivo con cinta aislante\,\neste proyecto altera esos mecanismos de atención.\n\nLa cinta blanca desplaza la percepción hacia aquello que permanece en los márgenes y\, lejos de ocultar el pasado\,\nlas intervenciones proponen nuevas formas de resignificarlo\, poniendo el foco en otras historias\, recorridos y símbolos.\nEtiam Huete (“También Huete” en latín) invita a ampliar la mirada y reconocer que todo territorio es siempre\nmás complejo que las imágenes con las que habitualmente es representado.\n\n \n\n\n\nDiego g. (1978\, Barcelona)\nEl valor de un refugio. Deseos\, promesa y realidades habitacionales.\n\n\n\n\nTodxs necesitamos un refugio\, un espacio\, una cabaña que alguna vez hemos construido de pequeñxs\, lugares acogedores\, amenos\, seguros…\nEn contraposición se presenta esta estructura que permanece elevada aproximadamente un metro sobre el suelo.\nUna arquitectura imposible\, que además es visible\, reconocible\, cercana\, pero inaccesible.\n\nEsta construcción no tiene un suelo. Está suspendida. Y tiene un precio inalcanzable. Una cabaña que simboliza un fragmento de la naturaleza y\nse trasforma en una mercancía cuantificable. El resultado final es el valor de un refugio\, es una instalación participativa e investigación artística\nen torno a la vivienda\, el refugio y los procesos de mercantilización del territorio. Mi propuesta consiste en la producción de una cabaña\nelaborada exclusivamente con ramas y pequeños troncos recogidos del entorno de Huete. Se invita al visitante a continuar la construcción\npara finalizar la obra sumando ramas e inevitablemente\, aumentando su precio final.\n\n \n\n\n\n\n\n\nJesús Sánchez (1999\, Toledo)\n\n\n\n\n Girar las cosas o cosas que giran\n\n\n\n\nEsto es el atrezzo de una de esas divertidas mentiras filmadas que nos invitan a cuestionar nuestra realidad.\nUn embuste giratorio acerca de cómo el artista puede utilizar el medio\, el medio puede utilizarle a usted y usted puede utilizar el arte.\nA través de la graciosa acción del giro se compone esta intervención\, que busca ofrecerle dicha acción como opción para que pueda girar\nlas cosas que quiera cuando le quieran hacer creer que no puede usted girar las cosas.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n
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