MAR SOLÍS: ESTO ES ESCULTURA

Entrevista: Mario Guixeras para MAC Florencio de la Fuente de Huete (Cuenca)

Mar Solís (Madrid 1967) es escultora y, además, docente universitaria en la Universidad Francisco de Vitoria de Madrid, donde reside y tiene su estudio. Su trayectoria desde 1997 incluye diversas muestras individuales y colectivas, con una presencia permanente en el ámbito nacional desde hace varios años, y un importante impacto internacional.

La obra de Solís se expone permanentemente en distintas colecciones entre las que destacan: Colección BBVA, Colección Masaveu, Fundación Alberto Jiménez de Arellano Alonso, Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM, Ayuntamiento de Madrid, Comunidad de Madrid, Ministerio de Medio Ambiente y Museo Tiflológico.

Hablamos con ella para acercarnos a su trabajo e investigaciones más actuales, al general de su carrera artística y a sus próximos proyectos:

PREGUNTA: El 14 de marzo termina tu exposición en el Real Jardín Botánico de Madrid “Principio de incertidumbre”. En ella, el sentido site-specific que caracteriza tus proyectos, se aprecia con claridad. ¿Se estrecha más aún en tus últimas exposiciones (“Fúrico: Materia-Antimateria” Centro de Arte de Alcobendas) la relación de tu obra con los espacios expositivos?

RESPUESTA: Sí. Desde mis inicios en el mundo del arte mi escultura ha desechado la peana y me he asegurado de no generar barreras entre escultura y público. Desde hace un par de exposiciones me resulta más importante el valor polimórfico de mi obra. Todas mis piezas tienen múltiples posibilidades, y cada vez se relacionan más con la “materia humana”. Hay sábados por la mañana que me acerco a mi exposición en el Jardín Botánico e invito a los espectadores a entrar en mis esculturas. Les hago colocarse en medio, se introducen en los círculos y les digo “esto es escultura”. Les ayudo a pasear con sigilo por la muestra, con una actitud de escucha de ese espacio. Para mí estas experiencias son importantes. En cada lugar en el que trabajo, el proyecto se narra a sí mismo de forma diferente. Cada obra se transforma.

Topología del Espacio-Tiempo (Vista de la exposición «Principio de Incertidumbre» en el Real Jardín Botánico de Madrid)
2020
Medidas variables

P. La creciente presencia de tu trabajo en los últimos años es patente. ¿Ha sido fácil el camino? ¿Crees que actualmente en general las mujeres artistas tienen el nivel de presencia que les corresponde en relación a hace 10 años?

R. Es cierto que hemos podido recibir más apoyo y que las instituciones ahora hacen cada vez más el intento de dar voz a artistas mujeres. Hemos sido más insistentes. Hace unos años que hemos empezado a tener una voz más personal, menos de género, gracias al ahínco de nuestras artistas pasadas y al tesón de las que estamos en presente. Ahora entramos en una normalidad. El otro día me dijo un comisario, “Mar, quiero que entres en este proyecto. Te digo los nombres de artistas que participan.” Eran todos de mujeres. Me aclaró que no era una exposición de género, sino que simplemente coincidía que la obra que le interesaba era toda de artistas mujeres. Hemos visto carteles con nombres exclusivamente de hombres hasta hace bien poco, y nunca hemos pensado que fueran exposiciones en las que lo masculino fuera la idea esencial del proyecto.

P. En tu escultura, trabajas con la idea de “módulo”. Construyes entes situados entre lo estructural y lo orgánico a partir de fragmentos que se relacionan entre sí. ¿Qué te interesa de esta perspectiva?

R. Me interesan los espacios que se generan entre organismos, como en las estructuras atómicas. No somos nada sin esos espacios o articulaciones. La escultura no es sólo la materia. De hecho la materia es una excusa para hablar de todo lo demás que es escultura. La transformación, la energía, el espacio, el hecho de ser, la mutabilidad, el tiempo… son para mí componentes de la escultura. Hacía millones de años que no empleaba la idea de “módulo” (risas). La verdad es que es un término que me ayuda a explicar lo que yo entiendo por la escultura en sí.

P. Llevas ya un tiempo investigando en torno a la física cuántica, que se encarga de describir el mundo a escala atómica. ¿Cómo convive el pensamiento científico con la intensa identidad emocional de tu trabajo?

R. Pues con toda la humildad que siento ante algo tan poderoso como una persona que «piensa el mundo». Ejercitar la actitud de “descubrimiento” ofrece posibilidades infinitas. No hay arte ni ciencia reales si no estás abierto a lo que tienes delante de ti. Desde muy joven he sentido la vinculación de mis intereses artísticos con la física. La cuántica abre las incertidumbres con las que se miden los parámetros entre unidades. Me gusta el momento en el que tú como observador de algo, por el mero hecho de serlo, también estás introduciendo un parámetro de error en lo que observas. Eso me hace pensar que tenemos que vivir con el error y con el azar, que son materiales elementales de la creación artística. Hoy creemos firmemente en esto. Mañana puede que tengamos que tirarlo todo al garete. Lo uno no niega lo otro.

P. Hay en tu obra un siempre creciente interés por lo cinético, por un movimiento relacionado con lo vital y el descubrimiento de espacios en permanente construcción. ¿Hablamos de un movimiento más centrífugo o más centrípeto? ¿Hacia dónde?

R. Estas últimas exposiciones tienen que ver con un movimiento que está en expansión y otro que está en reposo. Es el círculo en su totalidad. Es la primera vez que trabajo tan explícitamente con el “círculo”. Y tiene que ver con algo explosivo, y al mismo tiempo algo latente, en estado de calma, de lo que no sabemos que se espera. La materia se construye a partir de átomos en vibración. Lo que voy buscando es esa generación de la materia en la que existen diferentes estados. Es este tipo de movimiento el que me interesa, y que unos movimientos puedan ser consecuencia de otros, de una forma quizás cíclica o como un latir.

Fluctuación Cuántica II (Vista de la exposición)
2017-2020
Hierro
400x400x180 cm

P. La luz es uno de los protagonistas silenciosos de tu obra. Siempre está presente de uno u otro modo. Sombras que se extienden sobre las paredes, el color vibrante del papel contra el carbón, fotografías de las siluetas de tus esculturas, proyecciones… ¿Qué sucede entre lo material y lo intangible?.

R. Yo creo que esas captaciones tienen que ver con momentos de silencio del taller, son momentos secretos. Al principio, la aparición de sombras y luces eran consecuencias lógicas de trabajar con la línea y el espacio. Pero en las últimas exposiciones me interesan más estas captaciones que tienen que ver con la fotografía, con el dibujo… donde pongo mi atención más conscientemente en las relaciones luz-sombra. Son cosas que tienen para mí mucha importancia a la hora de proyectar nuevas ideas. La primera vez que las expuse fue en Alcobendas en 2020, y me gustó. Estoy explorando estos encuentros con deseos personales in situ. Lo que sucedió en “Fúrico: Materia- Antimateria” sucedió allí mismo. Quise atrapar las sombras proyectadas por una de las esculturas de la exposición sobre las paredes, y expuse las fotografías que resultaron. La mitad del tiempo que duró la exposición la utilicé para trabajar en el mismo espacio expositivo. Y lo mismo me está pasando en la exposición del Jardín Botánico. La semana que viene, de hecho, voy a hacer una performance. Es que el lugar me ofrece cosas que no puedo desaprovechar.

P. En septiembre presentarás tu segunda individual en Puxagallery. ¿Habéis empezado a idear la exposición? ¿Nos esperan sorpresas?

R. Sí, muchas. La exposición va a ser totalmente un planteamiento nuevo. El otro día hablé con mis galeristas y les dije “No voy a hacer esculturas. Voy a cambiar la concepción de una exposición.” El artista tiene que mover su trabajo de la forma más natural que le sale moverlo. Más allá de adaptarse a los formatos normalizados. Le quiero dar peso a las posibilidades de la obra más allá de la escultura como objeto, pensando en proyectos que se dilatan en el tiempo y que buscan otros modos de llegar al público. Es un intento de dar apertura a una cualidad intrínseca de mi trabajo, que es la transformación.

P. Una última pregunta ¿William Turner o Louise Bourgeois?

R. No puedo elegir, (risas) a esa pregunta sólo puedo responder “sí, gracias”.

Origen I (Vista de la exposición)
2019
carboncillo y conté/papel amate bl.
240×480 cm

Entrevista: Mario Guixeras @guixerasmario

Imágnenes: cortesía de la artista